Dans l'exposition temporaire "Harmonie et grandeur", les visiteurs du musée peuvent admirer les objets d'art italiens les plus précieux de la collection royale : des meubles richement sculptés, des marqueteries de marbre et de pierres semi-précieuses, travaillées selon la technique de la "pietra dura", de spectaculaires vases en majolique. et de fascinants cristaux de Murano. Outre l'art décoratif, le Musée National Peleş présente au grand public plusieurs sculptures de référence, ainsi que des séries de peintures copiées ou inspirées par des artistes établis de la Renaissance italienne : Raphaël, Corrège, Titien, Véronèse, Palma Vecchio. , etc. Parmi toutes les toiles présentées dans l'exposition, j'ai choisi pour illustration "Amour sacré et amour profane", savamment reproduit par Maximilian von Schneidt (1858-1937) d'après la célèbre toile du même nom, peinte par Titien (1480 ? - 1576). ).
Artiste d'origine allemande, coopté par la Maison Royale roumaine dans le vaste projet artistique de Peleș, aux côtés de Gustav et Ernst Klimt, Franz Matsch, Georg Bregenzer, E. Ritter Gotha et d'autres, Maximilian von Schneidt se distingue par son érudition et devient , probablement vers la fin du XIXe siècle, gardien de la galerie d'art du roi Carol Ier. Sur la centaine d'exemplaires identifiés jusqu'à présent, réalisés sur ordre royal au cours 1880-1910, le nom de Maximilian von Schneidt est associé à onze estampes d'après les maîtres anciens, ainsi qu'à au moins une toile (peinte en 1912, à thème mythologique).
La prédilection du Roi pour les sujets religieux étant connue, le choix de la toile « Amour sacré et Amour profane » semble – à première vue – inhabituel. Passionnée de peinture vénitienne, Carol I se concentre principalement sur les œuvres de la maturité du Titien, notamment les portraits. Mais la beauté et le mystère du chef-d'œuvre de jeunesse de l'artiste semblent avoir pris le dessus. D'un point de vue historique, en 1514, à seulement vingt-cinq ans, encore disciple de Giovanni Bellini (1430-1516), Titien reçut du grand chancelier de Venise, Niccolo Aurelio, l'une des commandes les plus importantes jusqu'à cette fois-là. Fasciné par la beauté de sa future épouse, Niccolo Aurelio souhaite désespérément une union matrimoniale avec la jeune veuve Laura Bagarotto. Cependant, le destin de Laura semble marqué par le malheur : outre la douleur causée par la mort prématurée de son premier mari, elle fait également face à la perte imminente de son père, accusé de haute trahison même par Aurelio. Double souffrance, que le haut fonctionnaire tente de tempérer, par l'intermédiaire du génie artistique de Titien. La réconciliation entre les époux - autant qu'elle était humainement possible - a été réalisée, et finalement Laura Bagarotto est entrée dans l'histoire comme l'heureuse propriétaire de l'une des toiles les plus controversées jamais réalisées.
Passionné d'art et déterminé à créer la galerie d'art la plus enviée de Rome, le cardinal Scipione Borghese, petit-fils du pape Paul V (1605-1621), acheta le tableau par l'intermédiaire du cardinal Pallavicini en 1608 et l'exposa dans les somptueux intérieurs de la Villa Borghèse. Pendant trois siècles, le tableau ravit les aristocrates invités aux somptueux banquets organisés par la famille. On peut encore y admirer aujourd'hui, aux côtés d'autres chefs-d'œuvre, tels que "Danae" du Corrège, "Jeune homme à la corbeille de fruits" du Carravage et "Paulina Borghese, sous le visage de Vénus" de Canova. Même la parenté honorable avec la famille Bonaparte par l'intermédiaire de Camillo Borghese, devenu époux de Paulina Bonaparte, ne persuade pas les Borghèse de renoncer à cette précieuse acquisition. En 1807, plus de 500 objets d'art de la vaste collection Borghèse arrivèrent à Paris et constituent aujourd'hui de précieuses expositions au Musée du Louvre. Vers la fin du XIXe siècle, les célèbres banquiers Rothschild proposèrent aux héritiers de la Villa Borghèse un prix astronomique pour la toile de Titien, un prix que, bien entendu, le roi Charles Ier, fervent collectionneur, n'aurait jamais permis. Les descendants des Borghèse refusent cependant l’offre et restent déterminés à conserver ce qu’ils considèrent comme inestimable. En 1995, pour la première fois, "Amour sacré et amour profane" atteignit les yeux avides des consommateurs d'art, lors d'une exposition ouverte à Rome.
Durant cinq siècles, la toile a conservé intact son mystère d'antan, suscitant des controverses religieuses, littéraires et philosophiques, d'autant plus que le titre actuel n'est attesté qu'en 1793 ! Influencé par la peinture de Giovanni Bellini et de Giorgione, Titien compose un double portrait féminin, pose du même personnage, qu'il place dans un ravissant paysage bucolique, de part et d'autre d'un sarcophage-fontaine, orné des armoiries réunies des Familles Aurelio et Bagarotto. Hommage à l'Amour, la toile met l'accent sur le dualisme sacré-profane, mais aussi sur les facettes d'un mariage, avec la sphère publique, sociale, strictement délimitée de la sphère privée, intime. La jeune femme de gauche porte les vêtements et accessoires propres aux mariées du XVIe siècle : la robe ample, couronne de myrte, ceinture, gants et bouquet de roses, et celle de droite, un simple drapé cramoisi sur la main gauche et un voile translucide. voile autour des cuisses. Jeune et belle, la femme s'expose au spectateur sans pudeur, mais aussi sans coquetterie. Son visage splendide, anticipant la pureté néoclassique, suit distraitement l'Amour ailé enjoué. Le paysage du fond, dessiné d'une main sûre, a été identifié comme étant le Val Lapisina, la résidence temporaire du peintre, la haute tour, San Floriano, et le lac miroir, Lago Morto.
Le thème matrimonial s'entremêle à l'allégorie, chaque élément des accessoires des deux femmes étant soigneusement évalué : le myrte est le symbole du bonheur conjugal, le sarcophage, une référence à la mort malheureuse du père, et l'opale en relief main de la femme à moitié nue, allusion à la foi. D'un point de vue littéraire, les spécialistes ont discuté de l'œuvre de Francesco Colonna, "Il Sogno di Polifilo", les deux femmes étant identifiées à Polia, la jeune femme vêtue, et à Venera, la jeune femme à moitié nue. Bien qu'elle jure de rester chaste, Polia ne peut tenir sa promesse et tombe dans les filets d'un jeune homme, devenant une servante assidue de la déesse de l'Amour. Savouré dans les milieux aristocratiques, le drame n’était pas étranger à l’artiste vénitien.
Un autre courant interprétatif est le courant philosophique et part de la doctrine du néoplatonisme ficinien, qui repose sur la théorie de la complémentarité entre la Vénus terrestre et la Vénus céleste. La figure de la femme à moitié nue est expliquée comme la Vénus céleste, belle comme la Vérité, dont on dit qu'elle est nue. Le bras levé symbolise la charité, la connaissance spirituelle, la simplicité et la pureté. La Vénus terrestre est le symbole de la maternité, de la force régénératrice de la Nature. En plein accord avec la symbolique des deux personnages, le paysage en arrière-plan apparaît à moitié enveloppé de pénombre, à moitié baigné d'une lumière divine. Coloriste d'une grande force, Tițian confirme dans « Amour sacré et amour profane » que la valeur n'attend pas le nombre des années : par des touches fines et sensibles, l'artiste a créé la vie, l'éclat, la beauté. Avec un éclair de génie, il dose la couleur et produit des accents pleins de drame.
L'œuvre de Maximilian von Schneidt de la collection Peleș ne reproduit pas mécaniquement l'original, mais lui donne quelque chose de la sensibilité du XIXe siècle, ainsi que du romantisme de sa personnalité. Avec « Amour sacré et Amour profane », comme avec d'autres objets d'art italiens, l'exposition « Harmonie et grandeur » vous invite à un voyage imaginaire dans l'univers des âges d'or de la culture humaniste européenne, en s'arrêtant un instant à ses sources.
